Peter Hammill (3): Keine bessere Zeit

 

 

 

 

"So what is beauty? Could it be something to do with honesty, truth, a willingness to bear one's soul no matter what the consequences? A desire to communicate the very deepest, darkest thoughts that lie within, to journey to the very heart of emotion, holding nothing back, in the pursuit of art? That's some sacrifice. And yes, that's beauty. 'Take my hand, take my torment', Peter Hammill sings in 'Vision' as the passage into beauty begins. Backed by Nic Mozart's murmuring bass and Stuart Gordon's ghostly violin, Hammill becomes more involved with every song (...) The music achieves a rare power, demanding the attention. By 'If I Could' the effect is entrancing, but still Hammill pushes himself further (...) Hammill can be on the verge of rage one moment, the next he can be the very picture of humility. (...) After all these years, Peter Hammill can still tear us apart. That, without a doubt, is beauty."

 

Dave Simpson, 1990, im Melody Maker über ein Peter Hammill-Konzert in Leeds. Über "Out Of Water" schrieb Simpson:

"Often miscast as a prophet of doom, I've always found Hammill's search for a greater truth to be an intensely uplifting experience. There is a profound sadness inherent in his music, yet it's this devastating awareness of human weaknesses and world failings that can serve as a powerful force behind the faith in the power of our own question for purpose. Going on 20 years skirting around rock's fringes, Peter Hammill remains an enigma. After all, there'll always be a place for music that can bring tears to our eyes."

There are so many questions, there are so many doubts, this is auto suggestion, your spirit is giving out. If I offered my reasons, would you give me a break? Now it's all open season, no sense of give and take. You see I'm not the man I was. But if I'm not the man that you took me to be, do I fade from your dreams, disappear from your memory? Look at me, if I'm not the man I was, then who was he? There can be no returning to the scene of the crime. For perfection you're yearning, some romance, some foreign clime. Is the memory explicit under strict rule of thumb? It was always implicit, this character I've become.

"Our Oyster": zunächst noch vages Narrativ, Musik, an der sich etwas immer wieder zu verflüchtigen scheint, die schwebenden Klänge im Hintergrund, der spirit of the moment, der immer unendlich viel mehr Dimensionen hat, als wir wahrnehmen, "Out of universal language some stuff never translates", "There's a whole world of difference between the observer and the act", dann die Schockwirkung der letzten Zeilen, Tian'anmen Square, das Massaker auf dem Platz des Himmlischen Friedens.

Fragil und emotional wandert "A Way Out" durch seelische, spirituelle Einsamkeit und durch die Dimensionen eines einzigen Wortes. Ergreifend und wunderschön und - zerfetzend. "I wish I'd said I love you." - Hammill widmet auf der Sofa Sound-Website jedem der Songs von "Out Of Water" ein paar Worte; zu "A Way Out" heißt es lediglich: "And I'm not going to talk about 'A Way Out'."

"The song 'A Way Out' is believed to be about the suicide of Hammill's brother."

Ich hüte einen Stapel Newsletter, die Hammill in den 80ern und 90ern noch mit der Post verschickte. Und ich erhielt auch einmal einen kurzen Brief von ihm. Newsletter gab es seit einiger Zeit nicht mehr, und unter dem Vorwand, ihn zu fragen, ob man diese wertvollen Informationen in Zukunft wieder von ihm wieder erwarten dürfe, hatte ich ihm einfach, genaugenommen nicht so einfach, gedankt für die Bedeutung, die seine Kunst in meinem Leben hatte.

 

 

Die Newsletter, die im Halbjahresrhythmus aus Bath eintrafen, hatten auch vom Fortgang der Arbeit an "The Fall Of The House Of Usher" berichtet: zusammen mit Librettist Chris Judge Smith widmete sich Hammill dieser Opera schon seit Ewigkeiten.

 
Was dann 1991 schließlich erscheint, gleicht nur insofern einer Oper, als verschiedene Sänger verschiedene Parts übernehmen: Peter Hammill als Roderick Usher; Andy Bell als Montresor, dessen Freund; Sarah-Jane Morris als Chorus; Lene Lovich als Madeline Usher; Hammill auch als The Voices of the House, und einen Gastauftritt hat Herbert Grönemeyer als The Herbalist - eine erklecklich eklektizistische Besetzung. "Usher" gilt dann gemeinhin als sperrig bis unhörbar, Bannflüche treffen besonders die Drumcomputersequenzen, das Projekt wird als überambitioniert und verunglückt wahrgenommen und verschwindet ziemlich spurlos. 1999, als Hammill die Rechte an der Oper - "In a way it would be more right to say it's a sung-through musical" (PH) - von Some Bizzare zurückbekommen hat, erscheint "Usher" nochmals, in revidierter Fassung; Hammill nimmt dafür Teile seiner eigenen Gesangspassagen neu auf, entfernt alle Drumsounds, addiert Gitarrenklänge und läßt Stuart Gordon neue string parts einspielen. 

Chris Judge Smith 1991: "A lot of record companies were approached, took one listen to it and ran screaming for the door."

"Usher ist ein hermetisches, düster-deliriöses Goth-Piece. Wiewohl die zweite Fassung als superior gilt, finde ich Lene Lovich auf "Dreaming" vor allem in der ersten Fassung wundervoll. Madeline enters, in a trance, "beautiful dead eyes stare in sleep", ein Zustand, in dem sie gleichzeitig einen bezaubernden Abend mit ihm und Tod durch Ertrinken durchlebt. Auf der ersten Fassung ist dieser Song more frantic and frenzied.

 

Carriages at seven

I shall wear the flower he gave me
               It's so cold here
               Deep beneath the lapping water…
               The water
               The water
My love
Head against his shoulder
'cross the lawn I hear the music…
               Silent blackness
               In the lake I'm sinking slowly
Oh, how lovely
Nothing could be more becoming…
               Underwater
               Floating in the icy darkness…
Count the candles
"May I dance with you this evening?"…
               On the surface
               Swans are feeding high above me
Hold him tightly
Round and round the floor we're spinning
               Breathing water
               I am drowning
Watch the sun rise
Driving home across the meadows…
               All is darkness
               I can feel myself dissolving
               The water
               The water
               The darkness
               The darkness
My love
Head against his shoulder
               Floating in the icy darkness
Hold him tightly
               I can feel myself dissolving
Oh how lovely

               Deep beneath the lapping water
Count the candles
               I am drowning I am drowning
Count the candles
               Floating in the icy darkness
Hold him tightly
               I can feel myself dissolving
Oh how lovely
               Deep beneath the lapping water
Count the candles
               I am drowning
Oh how lovely
               I am drowning I am drowning
Oh how lovely
Oh how lovely
Oh how lovely

Auch "Beating Of The Heart" funktioniert für mich besser auf Usher I, weil die "THE HOUSE OF USHER!"-Stimmen so besonders eerie wirken, als die Drum-Maschine verstummt und der ganze turmoil abebbt. Sarah-Jane Morris, Peter Hammill, Andy Bell.

"The Fall" hingegen ist erst auf Usher II angemessen mind-blowing.

The Voices of the House / As the House falls:

beams corbels joists king-posts ridge-ribs struts stanchions king-posts
buttresses bressumers arches piers spandrels columns
pilaster quoins wainscot stairs banister cusps cornices
copings chimney-shafts parapets pediments mansard gargoyle eaves
We breathe we rise
We are Usher

1992 gründet Hammill sein eigenes "Fie!"-Label, auf dem seit "Fireships" all seine Werke erscheinen. 

"Well, 'Fie!' is an old Shakespearean word meaning 'basta!' or 'enough!'. None of the labels I've been with have done any promotion, so there really didn't seem to be much point in carrying on with that line. I can under-promote myself better than anyone on the planet, so I decided I might as well do that."

"Curtains" von "Fireships", ein Song über zwei Menschen, die eines Morgens das Ende ihrer Liebe entdecken, für das sie keine Worte haben. Sylvia, die im rätselhaften Schock ihr Haar kämmt, als wäre nichts.

 

 

"I know when something sounds more or less right, but not actually what it is. This happened on 'Fireships'; David Lord piped up and said 'That's a bit of Mahler, isn't it?'. I can't do that."

In den Neunzigern, jedenfalls nach "Roaring Forties" (1994), werden Hammills Kompositionen zunehmend kontemplativ, calm, mit sphärischen Klängen aus dem ambient-Bereic; Songs, die sich komplett unberührt von jeglicher musikalischer Außenwelt zu manifestieren scheinen. Wenn Hammills Vorgehensweise in dieser Zeit gelingt, entstehen Werke von grandioser Schönheit, traumhaft schimmernd. Es gibt bedrohliche Untertöne, tragische, wehmütige, doch immer wieder wirken diese Songs, als schwebten über ihren Welten Wesenheiten wie die Engel von Gustave Moreau, nur nicht auf dem Weg nach Sodom, sondern als Beobachter der ewigen Suche nach der Essenz des Menschseins, auf der es nur den Trost der Kontinuität gibt. "The maintenance of innocence against the grind of experience is essential in life", geht es jemandem auf Head Heritage durch den Kopf, als er Peter Hammill hört.

Auf "X My Heart" (1996) gibt es zwei Versionen von "A Better Time", hier die A cappella-Fassung, Hammill solo und als gregorianischer Choral. Es wird keine bessere Zeit geben, um hier zu sein. Plötzlich, eines Tages, verspürst du diese unendliche Zärtlichkeit - für dein eigenes Leben.

 

"Hammill's vocal delivery has always been a bit like channeling a spirit during a seance (...)" - Jeff Melton 1996.

"Earthbound", eine Ballade, der die mysteriösen Streicher am Ende immer weniger Erdgebundenheit verleihen, während Hammill "Heartbreak: The Anagram" rezitiert. Liebe: you spring me free to flight. Vielleicht sagen die Streicher aber auch: Liebe macht Ikarusse aus uns allen.

 

Auf "Everyone You Hold" (1997) sind die himmlischen Sopranstimmen von Hammills Töchtern Holly und Beatrice zu hören, auf einem Song namens "Phosphorescence", und so fühlt sich fast das ganze Album an: Nachleuchten im Dunkel. No, they never leave your side. Accumulated whispers. Everyone You Hold.

Auf "From The Safe House" gibt es keinen Himmel mehr. Der Song scheint dieselben Minuten zu imaginieren wie "In This Twilight" von Nine Inch Nails: ein letzter verzweifelter, intimer Moment, als die Welt dabei ist, apokalyptisch zu kollabieren.

Watch the sun
As it crawls across a final time
And it feels like
Like it was a friend
If it's watching us
And the world we set on fire
Do you wonder
If it feels the same

Dust to dust
Ashes in your hair remind me
What it feels like
And I won't feel again
Night descends
Could I have been a better person
If I could only do it all again

You will find a better place 
In this twilight





... while the world's collapsed outside
Is it all really over now? ...
But here we are and here it's ending
Last secrets to be whispered and the dying of the light
Are all that we have left now...

"The Light Continent" von "This" (1998). Beginnt wie eine dritte Seite von Bowies "Low".

"From the outset I'd had something of a feeling for the dispassionate white emptiness of the South Pole ... David and Stuart's contributions were made under strict rules: they were allowed only two passes each. The first was without having heard the music at all; the only reference points I gave them were "It's 14 minutes long and it's Antarctic". I remain really happy with this piece." - PH

All the fields that you've overflown are frozen
they flow like glass down the frame in formlessness.
Only the fragile fluttering of your heart still marks you chosen,
chosen to dare, your face defiant of the featureless.
Your face defies the featureless,
you're facing the featureless.

A horizon of light blurs the boundaries of whiteness
as the distance is shimmered into timeless brightness now.
And the slow flooding tide is begun as it's ended -
the barometer dropping and the fog descended
down, down.

In this endless day, at this hour long-appointed,
subterranean humming and the compass unpointed,
the compass disjointed, the compass down.
Deep in the core the heart of ice forms,
a tempo of life like that of stalagmites,
a flood of the frozen,
the flux of the blood
aflame in antarctic white.

Any marks that you made only scratched at the surface
Only retinal image ties you into the circuit now.
In this empty expanse every shadow is shining
The indifference of nature: your significance tiny now.
Dive down.

Timeless the day, absorbing every wavelength of the light.
Frozen in place, our footfall on the ice.
What have our shadows meant
in the light continent?

Am 20.12.1998 kam es in der Hamburger Fabrik zu einem gemeinsamen Auftritt von, indeed, Georges Moustaki und Peter Hammill. Der Vorbericht von Ralf Dorschel las sich so:

Ein Geistesblitz schlägt neben Moustaki ein

Peter Hammill ist eine Spur zu kompromißlos, seine Songs sind eine Spur zu gewagt, seine Stimme ist zu sperrig, um dem Mainstream Tribut zu zollen. [VdGG]: Es war die Zeit, als Hirn im Rock noch nicht verpönt war und Van der Graaf in Klassikern wie "Killer" oder "Refugees" ungestraft ihre Geistesblitze unterbringen durften. Mitte der 70er lösten sich Van der Graaf auf und Hammill machte unter eigenem Namen, aber mit denselben Musikern weiter. Nicht immer indes reicht die Tour-Kasse für eine Band und dann gibt Hammill Solo-Konzerte, bei denen der Multiinstrumentalist sein Publikum verstört und begeistert hinterläßt - in Hamburg zuletzt in der Markthalle. Jetzt hat das Schicksal den gnadenlosen Individualisten ins Programm des französischen Barden Georges Moustaki verschlagen und Hammill wird sich schon sehr zurücknehmen müssen, um den friedvollen Rahmen nicht zu sprengen, Den Weg in die Fabrik jedenfalls lohnt am 20.12. der "very special guest".

Ralf Dorschel danach:

Das unsinnigste Konzert des Jahres - Eklat beim Auftritt von Moustaki / Hammill in der Fabrik

"Sie müssen sich doch nicht wegen mir prügeln!" Peinliche Szenen gab's in der Fabrik: Rock-Legende Peter Hammill wurde als "special guest" des Chanson-Sängers Georges Moustaki beinahe von der Bühne gebuht.

 

Es war aber auch eines der unsinnigsten Konzertpakete, die in diesem Jahr nach Hamburg kamen: der sanfte Franzose Georges Moustaki und der kontroverse Brite Peter Hammill. Der sang von Nachtmahren, zerstörten Beziehungen und Einsamkeit, spielte düstere Akkorde auf Flügel und Gitarre und ließ sich dabei nur von Geiger Stuart Gordon begleiten. Dem Musiker Peter Hammill geht es um die Tiefen der menschlichen Psyche - wie kein zweiter seziert der Sänger zerrissene Charaktere.

 

Den harmoniesüchtigen Moustaki-Fans war das alles viel zu anstrengend - sie pfiffen, grölten und gerieten dabei mit den ebenfalls zahlreich erschienenen Hammill-Fans aneinander. Die hatten immerhin auch ihre 45 Mark für das kostspielige Doppel-Konzert bezahlt. "Ich werde Sie nicht mehr lange aufhalten", tröstete Hammill schließlich und verschwand ganz leise nach 30 Minuten - ohne Zugabe.

 

Immerhin war es dem Exzentriker von der Insel diesmal besser ergangen als am Abend zuvor, als ihn in Mannheim Moustaki-Fans erfolgreich von der Bühne warfen. Nach dem Verstand des verantwortlichen Tourmanagements darf man dennoch fragen - und vielleicht eine stille Hoffnung hegen: Mit viel Glück hat einer der wichtigsten Songwriter der vergangenen Jahrzehnte demnächst in Hamburg mal einen würdigeren Rahmen.

Im Januar 2001 antwortet Hammill den Journalisten Niechziol und Dorschel auf die Frage, ob er überhaupt noch ein Publikum finde für seine literarischen Texte: es werde schwieriger, aber "ich weigere mich einfach, zu glauben, dass der ganze Planet verblödet."

Im Dezember 2003 erleidet Hammill eine Herzattacke, die beinahe tödlich endet, keine 48 Stunden, nachdem er die Arbeit am Album "Incoherence" beendet hat. Ein halbes Jahr später: (-> Lesenswerter Artikel). 

Im April 2005 erscheint mit "Present" plötzlich wieder ein Van der Graaf Generator-Album in der "klassischen" Besetzung mit Hammill, Banton, Jackson und Evans, den Punks in Proggestalt (Julian Cope). Seit 2007 existiert Van der Graaf Generator als Trio (minus Jackson), drei weitere Alben sind seitdem erschienen. Über "Present" schrieb Paul Morley: 

"Van Der Graaf Generator haven't recorded together for 27 years, but their new album sounds like it was recorded when they were young and wild. This is probably because when they were young and wild, they sounded like they were ancient, nihilistic and mystical, and on the verge of a long drawn out death." 

Auf whiskey-soda.de liest man 2006:

"Eine unangenehme Frage steht noch aus, und zwar was die okkulte Seite der Band angeht. Gerüchte halten sich hartnäckig: Der Song 'Killer' soll das Haus ihres Managers zum Beben gebracht haben, Bassist Nic Potter verließ Van der Graaf Generator aus Angst gleich zweimal: Das erste Mal 1970 bei der Aufnahme für das dritte Album 'H To He, Who Am The Only One' (welches mit 'Killer' beginnt!), weil er seltsame Energien um die Band fühlte. Dann 1977 nach einem Konzert in einer französischen Kirche, bei welchem er einen Widerstreit von Kraft in der Luft fühlte, als ob Elemente der Kirche versuchten, Elemente der Musik zu exorzieren! Über Hammill ist bekannt, dass er sich früh für das Okkulte interessierte und 1968 Kontakt zu dem Okkultisten Graham Bond hatte. Ist die Band also wirklich in der Lage seltsame Energien heraufzubeschwören?"

Hammills Antwort:

"Fakt ist, dass damals tatsächlich eine Menge Wahnsinn in uns und um uns herum war, aber das ist nicht übernatürlich. Ich glaube, dass es gewisse Formen von psychischer Energie gibt, die sich in der Realität manifestieren können. Das hat nichts mit Poltergeist zu tun, wir haben als Band einfach gemeinsam an einer Energie gearbeitet, die über reine psychische Energie hinausgeht, all diese seltsame Musik, die wir erzeugt haben! Deshalb ist das Van der Graaf Erlebnis auch für uns manchmal erschöpfend – wie jetzt zum Beispiel die Reunion. Obwohl wir alle vier absolut einig waren, dass wir das gemeinsam machen wollen, bin ich sicher, dass jeder von uns insgeheim manchmal denkt: 'Van der Graaf Generator – Oh mein Gott! Und ich habe freiwillig zugesagt!'" 

Nicht nur, daß Van der Graaf Generator wieder existiert. Schon Hammills Soloalben "Clutch" (2002) und "Incoherence" (2004) galten als Stationen auf a new way up, "Singularity" (2006), "Thin Air" (2009) und "Consequences" (2012) werden als Renaissance rezipiert. Einen Punkt, an dem Hammill durch jedes intellektuelle Höllenfeuer gegangen ist, jedes Psychodrama ausgeleuchtet hat und in jedem musikalischen Bereich seine Unfähigkeit bewiesen hat, das Wort Kompromiß zu verstehen, einen solchen Punkt scheint sein Schöpfer nicht vorgesehen zu haben. 2014 erscheint "... all that might have been... ", der Titel erinnert an Nine Inch Nails, ein Album, dessen Komplexität noch den abgebrühtesten Hammill-Kenner verblüfft: (-> zum Beispiel hier).

"ajmurray" auf epinions.com: 

 

"Uncompromising and willing to risk spectacular failures in pursuit of his highly personal vision of modern life as tragicomedy, Peter Hammill represents a lost archetype, the artist undiluted by popular influences."

Und wiki sagt, wir müssen uns nicht nur Sisyphos als einen glücklichen Menschen vorstellen.

 

"In psychoanalytischer Manier erforschte Peter Hammill die dunklen Seiten der menschlichen Seele (...) In einem Interview des 'Bristol Recorder' vom September 1980 wurde Peter Hammill auf die Klischees angesprochen, die ihm damals von Teilen der Musikpresse angehängt wurden, wie 'Dr. Doom' oder 'angst-zone'. Er schreibe über ernsthafte Themen, die jeden berührten, ob man es sich eingestehe oder nicht, so seine Antwort. Dabei benutze er für die Charaktere seiner Songs eigene Empfindungen, aber auch imaginierte oder fragmentierte Teile seines Selbst. Peter Hammill fügte hinzu, es handele sich um Liedtexte. In seinem Privatleben sei er die meiste Zeit ein ziemlich glücklicher Mensch." 

Der letzte Song von "Present", für VdGG-Verhältnisse einfach, free flow jamming, und doch so weird & gorgeous.

Even the Silver Surfer agrees
The wave you brave rides on a deeper complexity.
Ah, come on, surf's up!
Even the Silver Surfer agrees.

 

Einige meiner Favoriten aus dem Schaffen Hammills in den 2000ern finden sich auf "What, Now?" von 2001:

 

 

 

 

Und auf einem anderen favourite song, vom Album "Consequences", hören wir Hammill mit seinen eigenen Beatles backing vocals. In einem Interview sagte Hammill einmal: als er "Tomorrow Never Knows" von den Beatles hörte, wußte er, daß die Tore offen standen, daß alles möglich ist in der Musik.

 

 

 

 

Alles.